On entend souvent cette formule : « L’art pour tous. »
Elle semble pleine de bonnes intentions. Elle sonne généreuse, démocratique, ouverte.
Et pourtant, chaque fois que je l’entends, elle me met mal à l’aise.

Parce que sous cette apparente bienveillance, je ressens une injonction. Une réduction. Une trahison.

On ne dit jamais : « Une Ferrari pour tous », ou « Un vin de garde pour tous ».
Alors pourquoi faudrait-il que l’art, lui, se rende universellement accessible, au risque d’en perdre sa complexité, sa profondeur, son exigence ?

Il y a des jours où l’on sait. Et des jours où l’on doute.
Des jours où l’on avance droit, porté par une énergie mystérieuse, et d’autres où chaque geste semble hésitant.
Ce texte, je l’écris pour ceux qui avancent sans carte. Pour ceux qui continuent malgré tout. Pour ceux qui, comme moi, cherchent sans toujours savoir où ils vont.

On l’a enterrée mille fois. Déclarée dépassée. Trop académique. Trop humaine. Trop bavarde.
Mais la peinture figurative est toujours là. Elle traverse les époques, les modes, les courants conceptuels. Elle dérange parfois. Elle attendrit souvent. Et surtout, elle continue de dire ce que les autres formes peinent à incarner : un visage, un silence, une faille.

Je peins des corps. Des attitudes. Des instants. Je ne fais pas du réalisme, je fais de la présence. Et si cela me range parmi les artistes "hors des tendances", alors tant mieux.

On peut s’appliquer. Composer. Soigner une pose, lisser un fond, reprendre un trait. Mais la toile, elle, ne se laisse pas manipuler longtemps. Elle garde en elle quelque chose de plus profond que l’intention : le geste, le doute, le moment.

Elle révèle ce qu’on ne sait pas dire. Elle dit l’hésitation d’un matin gris, l’agacement d’une fatigue, la joie discrète d’une lumière retrouvée. Elle dit le corps tendu, l’absence, la mémoire. Elle est un sismographe. Un capteur d’âme. Elle garde la trace de ce que j’étais, à l’instant où je peignais.

Le triptyque fascine.

Héritier d’une tradition ancienne, il traverse les époques et se réinvente sans cesse. Dans les galeries, les ateliers ou les intérieurs privés, il attire le regard par sa structure singulière. Mais une question revient souvent : le triptyque forme-t-il une œuvre indivisible ? Peut-on vendre ou exposer un panneau seul sans altérer l’intention de l’artiste ?
En tant que peintre figuratif contemporain, je propose ici quelques pistes de réflexion nourries de ma propre pratique.

La peinture figurative contemporaine revient. Silencieusement, patiemment, puissamment. Après des décennies d’art conceptuel, de minimalisme ou d’abstraction désincarnée, elle retrouve une place centrale dans les ateliers, les galeries, les regards.

Ce n’est pas un retour nostalgique. C’est une réapparition nécessaire : celle du corps, de la mémoire, de l’émotion visible. Un besoin de présence, d’incarnation, d’histoire racontée autrement.

Camille Rouschmeyer est artiste peintre impressionniste et contemporaine.
Elle est aussi ma compagne, ma muse et une figure essentielle dans mon parcours d’artiste. Voici un hommage à sa présence dans ma vie et dans mon œuvre.

Il y a, dans presque chacune de mes toiles,…

Il est des gestes si simples qu’on en oublie la poésie.
Il est des matins où le corps, à peine éveillé, cherche à renouer avec lui-même.
Et il est des instants qui, sous l’œil du peintre, deviennent des mondes.

C’est dans cette tension fragile entre le banal et l’essentiel que s’inscrit La fille au lever du jour, une œuvre peinte à l’acrylique sur toile (100 x 100), réalisée en 2024.

Le marché de l’art est une scène mouvante, un théâtre où se croisent les œuvres, les egos, les chiffres et les intentions.
On en parle souvent en termes économiques, stratégiques ou sociologiques, mais rarement depuis le point de vue de l’artiste lui-même, celui qui crée, doute, expose, vend — ou pas. Celui qui reste à l’écart des projecteurs, le pinceau à la main, les yeux dans la lumière.

Dans ce texte, je propose un regard de l’intérieur, forcément subjectif, mais habité par l’expérience.
Pas une analyse exhaustive, ni une vérité figée, mais une traversée personnelle de ce vaste …

En ces temps modernes, où l'entreprise s'étend au-delà de la simple logique commerciale, je vous invite à explorer avec moi la place singulière que l'art figuratif y a trouvée. Découvrons ensemble comment cette forme d'expression artistique peut transformer notre environnement de travail et influencer significativement la dynamique interne comme l'image corporative.

Je m'immerge dans l'univers artistique où les éléments quotidiens, tels que la grolle, peuvent se transformer en emblèmes d'identité durant le processus de création. Un récent article paru dans Le Monde en 2020 dévoile cette réalité captivante. La grolle, objet ordinaire mais pourtant si suggestif : elle sert de prolongation à notre être, une couverture protectrice, un observateur muet de nos mouvements. Elle devient alors bien plus qu'un simple ornement vestimentaire. Elle se métamorphose en icône significative au cœur du processus artistique. Ce processus de…

Dans l'époque actuelle où le numérique règne, je trouve une douce nostalgie dans la simplicité du croquis. Ce dernier, souvent oublié et relégué à l'ombre des grandes œuvres d'art, conserve pourtant un charme indéniable. Sa discrétion n'est-elle pas le reflet de sa force ? Son absence dans l'abstrait ne souligne-t-elle pas son importance cruciale ? Permettez-moi de vous guider vers la redécouverte de ce médium si précieux pour tout artiste : le croquis.

L'art figuratif est un chemin, une voie imprégnée de passion et habitée d'intensités émotionnelles. En parcourant ce sentier palpitant, on dévoile le mystère des formes qui s'y dessinent, dans un ballet rythmé par les battements du cœur créatif. Chaque œuvre n'est pas simplement unecomposition visuelle; elle incarne un récit, narratif et profondément humain.

Selon l’étude de 2020 réalisée par Le Monde, l’art figuratif a traversé au fil des siècles une transformation remarquable pour adopter différentes formes d’expression. Son influence sur notre vision collective de la réalité est incontestable ; il nous offre la possibilité de franchir les obstacles perceptuels et cognitifs pour appréhender le monde sous un jour nouveau.

Une œuvre d’art ne se limite pas à des couleurs sur une toile. Derrière chaque tableau se cache une inspiration, une émotion, un moment vécu. Que ce soit un paysage urbain croqué sur le vif, une scène figurative imprégnée de lumière ou une composition abstraite née d’un voyage intérieur, chaque œuvre est une empreinte du temps et de l’artiste.

Avez-vous déjà ressenti cette sensation étrange en entrant dans une pièce bien décorée, mais qui semble manquer d’âme ? Un bel intérieur, aussi sophistiqué soit-il, peut parfois paraître impersonnel s’il lui manque cet élément essentiel : une œuvre d’art.

Camille et le lac est presque devenu un thème récurent dans mon travail artistique, car il reprend tous le éléments qui composent mon travail de recherche qui s’articule autour de la posture humaine et de l’espace emprunté. De plus le lac offre cet diversité de textures et de couleurs qui lui sont propre et qui apportent une fascination supplémentaire à cet espace enchanteur. La première oeuvre travaillée sur ce thème en 2020…

Ce post est simplement le regard que je porte en artiste dit classique sur un univers virtuel qui s’avère frapper à nos portes de manière harcelante et sur lequel on a forcement envie de porter un regard si ce n’est que par curiosité. L’art et le NFT ou le NFT dans l’art. Il y a quelque temps déjà, au travers d’une formation sur la protection des oeuvres d’art et de leur horodatage, j’ai été amené à entendre ce terme pour la première fois… juste quelques mois après j’ai pu à nouveau entendre ce mot prononcé dans le cadre informatif d’univers virtuels naissants, puis ce fût un enchainements de demande pour acquérir mes oeuvres au profit d’un commerce virtuel sur des plateformes dédiées avec cette étiquette récurrente du NFT.

Aujourd'hui, j'aimerais partager avec vous l'une de mes œuvres qui me tient particulièrement à cœur : "Grain de Beauté". En créant cette peinture, j'ai voulu capturer un moment de tranquillité et de contemplation, en choisissant une vue en plongée de mon épouse assise au bord du Lac d’Annecy et sur le point de s’élancer à l’eau pour son moment préféré de natation.

Je connaissais ce déroulé depuis de nombreuses années et je prends toujours autant plaisir à contempler son rituel. Bien souvent, je fais un croquis rapide de ses postures préalables. C’est aussi le cas pour l’oeuvre “Dos nu” que j’ai peint après celle-ci, en me déportant légèrement sur la droite.

Cette œuvre est une célébration des souvenirs d’enfance, évoquant la simplicité et la beauté des moments passés. La posture de la femme, avec son regard pensif et ses gestes délicats, reflète un moment de méditation personnelle, un retour aux sources comme une élégante nostalgie.

Mon objectif était de capturer chaque détail avec précision, des textures des vêtements aux expressions faciales des individus. Cette minutie contribue à créer une atmosphère dynamique et immersive, où chaque personne semble raconter sa propre histoire.

La file d'attente qui s'étend en profondeur ajoute une dimension de réalisme à la scène. L'utilisation de la perspective permet de montrer l'arrière-plan et les personnages alignés, donnant une impression de mouvement et d'activité constante.